Jay Rosenblatt: Human Remains (1998)

Human Remains se construye a partir del montaje de imágenes de archivo de fragmentos biográficos y diarios personales del siglo XX: Hitler, Franco, Stalin, Mussolini y Mao. Se recogen, aislados, fragmentos y anécdotas de sus vidas. Se huye de su papel en la historia y se muestra la faceta más íntima. Jay Rosenblatt desmitifica a estos personajes y los acerca a la ciudadanía corriente. Mussolini tenía dos leones, a Franco le gustaba ver la televisión sentado en el sofá con su mujer, a Hitler le gustaba mucho la pornografía y, al igual que Mao, sólo tenía un testículo. Aunque la mejor parte de Mao es cuando no le gusta lavarse los dientes... un tigre no se los lavaría.
El tono humorístico de la pieza es capaz de cautivar audiencias mientras ironiza los graves hechos históricos que protagonizaron estos personajes.


Este es un segmento de un documental (National Geographic) relacionado con el tema... Oficiales nazis vistos como seres humanos, no como monstruos.

Alain Resnais: Noche y Niebla (1955)

Cuando lo vi por primera vez, pensé que era una de las cosas mas desgarradoras que había visto en mi vida. Bueno, probablemente lo siga siendo, pero hay que tener en cuenta que en 1955, había pocas fuentes claras sobre el holocausto nazi. A mas de 50 años de haber sido producida esta obra, creo que la cantidad de archivo y testimonios que han salido a la luz desde entonces podrían hacer ver a este trabajo como una versión light de lo que muestra el director.
Son muchos los factores que hacen de este documental una obra tanto abrumadora como atractiva.
Resnais antes que nada, hace un distanciamiento entre espectador y las víctimas. No existe ninguna persona ni personaje con la que el espectador se pueda identificar, sólo con la voz de Michel Bouquet que recita unas frases escritas por Jean Cayrol, superviviente de un campo de concentración. Mientras se construían los diferentes campos de concentración, escribe Jean Cayrol: "Mientras tanto, Berger, obrero alemán; Stern, estudiante judío de Ámsterdam; Schmursky, comerciante de Cracovia; Annette, estudiante secundaria de Bordeaux, transcurren su vida normalmente, sin saber que, a mil kilómetros de su lugar de residencia, ya tienen un lugar asignado." Una forma aterradora de describir lo que estaba por suceder... Todo ese modo neutro de contar los acontecimientos, consigue una atmósfera agobiante que culmina con las imágenes de cadáveres amontonados en fosas comunes, montañas de cabellos de mujer, prisioneros enredados entre rejas y cables electrificados, etc. Como espectador tenemos las sensación de no poder escapar, Resnais prácticamente nos obliga a ser parte de todas esas experiencias.




El documental, filmado en Auschwitz, combina material en color con imágenes de noticieros en blanco y negro y fotografías fijas; Noche y Niebla compara imágenes de los silenciosos edificios abandonados en los campos con material de la época de la guerra, para contar la historia no sólo del Holocausto sino de la brutalidad a la que la humanidad puede llegar. Resnais filma en los campos abandonados y hace una de las primeras reflexiones cinematográficas acerca de esos horrores, cuestionando la naturaleza cíclica de la violencia humana.

Trinh T. Minh-ha: Reassemblage (1983)

Es una reflexión sobre el cine documental que explora y plantea cuestiones relacionadas con el trabajo etnográfico mientras la pantalla nos muestra imágenes de la vida cotidiana de un poblado en Senegal. La directora no pretende explicar nada sobre ese país, no pretende describir nada de los Peul o los Bassari, sólo expresar sus propios pensamientos sobre la función de la etnografía y de la antropología en el contexto de una sociedad mundial marcada por relaciones desiguales de poder.
Minh-ha no pretencde explicar o narrar, ella a través de la cámara, muestra las vivencias propias. Mira con los ojos del cineasta experimental, pero dirige su mirada hacia la materia del documentalista, el mundo histórico. No pretende dar sentido o coherencia a dicho mundo y por lo tanto actúa como registradora de las imágenes que se apoderan de ella y no al revés. Ella no ordena el mundo, el mundo y sus circunstancias naturales, lo desordena a ella, a su forma de mirar. Filma cuando se deja llevar por el entorno, momentos en los que nada es cerebral, sino que todo se convierte en un proceso sensitivo. En ese punto se produce el cruce entre el documentalista y el cineasta experimental.


La autora busca cuestionar al espectador acerca de las concepciones y mitos que existen sobre las comunidades africanas. Aquí no se muestran las típicas imágenes (al puro estilo de National Geographic) de enfermedades, hambruna, escasez, sufrimiento, etc. La directora presenta un mundo en donde niños sanos juegan con sus familias y donde madres trabajan día a día para llevar el alimento a sus casas... recolectando, moliendo granos, etc.
Minh-ha trata de alterar todo acerca de nuestra percepción de éstas comunidades, que hasta muestra a un niño albino; contraste específico de la raza negra predominante en ese continente.
Es una obra llena de imágenes bellas y simples donde el espectador no se dedica a otra cosa mas que a contemplarlas y a admirarlas, como si se tratara de una nueva experiencia, de un mundo nuevo y desconocido.

Dennis O´Rourke: Cannibal Tours (1988)

El documental es sobre un grupo de turistas occidentales que emprenden un viaje a través del río Sepik en Papua-Nueva Guinea. O'Rourke está siempre presente, observando y participando, en el sentido de que la cámara interacciona con sus sujetos, turistas y nativos, preguntándoles sobre su experiencia del turismo, a la vez que los observa en su contexto y forma parte de ese contexto que observa. La cámara se comporta con los turistas como un turista más, mientras que, con los ribereños, busca la complicidad de quien conoce bien su lengua y su cultura. La cámara es cómplice tanto de los turistas como de los nativos, se identifica con ambos. El autor abre su propia reflexión sobre el turismo sin necesidad de recurrir a una voz narradora.
Cannibal Tours descubre un viaje imaginario de los turistas hacia el pasado primigenio, hacia el paraíso perdido y hacia la sociedad primitiva; una ilusión que necesitan mantener y reforzar los propios nativos, ya que el turismo es una fuente de ingresos que no pueden despreciar, aunque sólo una parte muy pequeña vaya a sus bolsillos. Más que en un encuentro, es el relato de un desencuentro cultural... un diálogo entre turistas y nativos que no se producirá nunca.


Éste es otro excelente ejemplo de análisis etnográfico-cultural por parte de O´Rourke, The Sharkcallers of Kontu (1982). En ésta obra se muestra al hombre "primitivo" pero se enfoca en los pescadores, personajes que siempre he admirado mucho por su inteligencia y por su destreza para trabajar en esas condiciones tan adversas.
Me encantaría ver las reacciones de los mismos turistas de "Cannibal Tours" o de aquellos que se autoproclaman "defensores de animales"... "Oh my god, it´s so brutal!, so wild! so... primitive!". O el clásico "he´s an animal, he should be killed!"... en fin, comentarios que nunca faltan.

Chris Marker: Sans Soleil (1982)

Escritor, fotógrafo y director de cine francés. El desconocimiento acerca de su figura ha sido alimentado por él mismo; se ha negado casi sistemáticamente a conceder entrevistas, y se divierte ofreciendo versiones contradictorias acerca de los eventos de su vida y juventud. Como anécdota, cada vez que alguien le solicita una fotografía suya para ilustrar un reportaje, un libro o una entrevista, Marker envía una foto de su gato preferido.

Los films de Marker, así como los de Agnes Varda y los de Jean-Luc Godard (entre otros), han sido denominados de diferentes maneras; análisis históricos, teorías, ensayos, memorias... escritura íntima.
Es el cine individualizado, carente de componentes industriales y apoyado en ciertas tecnologías que abaratan costos y reducen equipo, la única y prometedora alternativa que resta.
Gracias a que hace unas cuantas décadas nació ésta propuesta, el cine ahora es considerado también un cuaderno de viajes. Un diario. Un autorretrato.

Sans Soleil es una película con ciertas actitudes rebeldes, de resistencia, ya que recurre a la imagen pura y liberada de toda clase de simbolismo. El director lo hace con el fin de que nosotros, los espectadores, encontremos una contemplación pura de las imágenes, ajena a la cultura del espectáculo y a la interpretación metafórica. Son imágenes que reclaman nuestra atención hacia lo efímero, lo desechado, hacia los objetos perdidos y espacios olvidados que pueden ayudarnos a dar sentido a nuestra vida diaria.


Uno de los detalles que más me gusto es que, al inicio de la película, Marker muestra el plano de tres niños Islandeses caminando por el campo y después, el plano de un avión militar americano (ó japonés) en un portaaviones; ambos planos separados por unos segundos de pantalla negra. Entra la voz de Florence Delay y lee el siguiente texto de una de las cartas enviadas por el director de cine de ficción, Sandor Krasna (un alter ego del propio Marker): "La primera imagen de la que me habló fue la de tres niños en un camino, en Islandia, el año 1965. Me decía que para él era la imagen de la felicidad, y también que había intentado en numerosas ocasiones asociarla con otras imágenes, pero que nunca había funcionado. Me escribía: Un día, la pondré sola al inicio de una película y después pondré un buen trozo negro.
Si no ven la felicidad, al menos verán la oscuridad."
Los niños islandeses son un gran ejemplo de cómo éstas imágenes se convierten en contemplaciones a la deriva de los desgarros en el tiempo.

Sans Soleil es una espiral en la que Marker observa desde el centro, las actitudes sobresalientes y condenables de nuestra sociedad. Con la cámara, Marker desafía el control ideológico que existe hoy en día y critica estas estructuras de poder.


Por ejemplo, observa los sucesos del espacio público, especialmente los mercados y grandes almacenes donde se adquieren las mercancías. Este interés por el espacio público y su relación con los deseos colectivos de la cultura de masas está representado a la perfección en una dramática escena en la que 'Krasna" comenta el hecho de que muchas estaciones de metro de Tokio tienen el nombre de los grandes almacenes donde están situadas, de tal forma que se establece una conexión entre viajar por la ciudad y viajar por el espectáculo consumista de los propios almacenes comerciales.
Marker critica las estructuras de poder, pero no se sitúa como un sustituto. Sino que lo único que pretende, es que nos distanciemos de este espectáculo falso y consigamos una liberación.
Uno de los grandes objetivos de Marker, es lograr que el espectador rompa con lo que se hace política y creativamente, que rompa con las convenciones; que las cuestione. Que tome una cámara, salga de su burbuja y observe su entorno.

Este tipo de documentales propone a la cámara como un nuevo ojo y se dedica a lo largo de la película a establecer una conexión entre observado y observador, incluso llega a existir un coqueteo, poniéndolos a ambos al mismo nivel de importancia.

La Ruta

6:45 am. Tres imágenes del trayecto de mi casa a Centro, desde un lugar en el cuál paso una gran cantidad de tiempo de la semana pensando y contemplando, y que se ha convertido, no sólo para mí sino para muchos, en una especie de segundo hogar: el carro.
Imágenes del segundo piso en San Antonio, un lugar en medio del periférico y la entrada a Lomas de Chapultepec.

Martin Arnold

En obras como "Piéce Touchée" y "Passage á L´acte", Martin Arnold se apropia de imágenes de películas de los años 40 y 50, y juega con ellas haciendo un ejercicio de edición, que consiste básicamente en repetir los cuadros cientos de veces para que dé el efecto de que el personaje va y viene a gran velocidad. Esto no sólo altera el sonido y el desplazamiento de los personajes sino que también deja salir a la superficie ciertas actitudes de éstos personajes... la atmósfera y el subtexto, la lectura de la escena en general, cambia totalmente. Dejamos de ver la escena desde el exterior y ahora nos enfocamos en los detalles. Nos acercamos a éstas personas y empezamos a recibir nueva información, ya a nivel psicólogico, que viendo la película original probablemente nos hubiera pasado desapercibida.
Es una excelente propuesta, inteligente y seductora.
Uno de los tantos ejercicios que hacen del cine algo verdaderamente mágico.