Errol Morris: The Thin Blue Line (1988)

La Delgada Línea Azul es un documental que retrata la controversial historia del asesinato de un oficial de la policía en Dallas, Texas (en 1976), y del juicio que tuvo lugar en los años siguientes.
A lo largo de la película, Morris va descubriendo un mundo lleno de misterio y de intriga, permitiendo hablar a cada una de las partes: los testigos, la policía, los jueces y los culpables, uno por uno. Morris también realiza una investigación que se desarrolla a medida que la película avanza, presentando testimonios, evidencias, intercambiando las entrevistas y volviendo a la reconstrucción de los hechos, abordando cada vez una nueva perspectiva en la representación de éstos.

Hay tres puntos básicos que marca Morris en su documental. Primero, la narración se la dejó a los participantes en las entrevistas, con una cámara colocada frente a cada uno (un método muy particular de Morris y que suele funcionarle). Cabe mencionar que esta es una gran cualidad de Morris. Él tiene, como pocos, una gran habilidad para entrevistar, ayudado de un gran poder de persuasión hacia sus entrevistados.
Vemos con claridad los dos retratos que nos hace de sus protagonistas: Harris quien, a pesar de parecer un tipo amable e inteligente, rápidamente nos deja claro que es mucho más probable que él sea el responsable de la muerte del oficial Wood. Después está Randall Adams, quien con mucha precisión nos cuenta una y otra vez su historia y expone todos los fallos en el procedimiento de la versión de los hechos, manifestando al mismo tiempo todo lo que ha vivido en el periodo que lleva en la cárcel.
Ambos retratos son altamente reveladores y evidencian claramente la riqueza de su construcción; los otros personajes son también significativos, sólo que el caso no gira alrededor ellos y por lo tanto sólo llegamos a conocer ligeramente a la mayoría.
En segundo, Morris muestra evidencias reales; ejemplos: pruebas documentales como fotografías, informes periodísticos, ilustraciones, reporteros en el juicio, etc.
Y por último, la forma como cada uno de los entrevistados proporciona diferentes perspectivas sobre el asesinato, dando pie a la recreación de los acontecimientos; cada uno sumando o restando nuevos detalles basados en lo que se acaba de escuchar por parte de cada uno. Morris para lograr esto recurre a una genial puesta en escena, construyendo y componiendo cada una de las imágenes y de los personajes que habitan en ellas. Ésta reconstrucción de los acontecimientos, lo cuál es uno de los puntos clave de la película, sirve para aclarar las dudas que quedaron en el aire tras el veredicto de culpabilidad de Adams.

Lo increíble de éste documental es que, como consecuencia, sirvió para que se le abriera un nuevo juicio y para que más tarde fuera liberado, demostrando con esto, la poca eficacia con la que a veces actúa la policía y el sistema judicial de Texas.

33 Directores. 14 Países. 1 Pasión.

El semestre está por terminar y cómo resumir un curso lleno de grandes obras, realizadas por algunos de los mejores directores de la historia. La directora Pepita Ferrari presentó este documental el año pasado, donde entrevista a personajes como Albert Maysles, Errol Morris, Werner Herzog, Nettie Wild, Patricio Guzmán, entre otros; acerca de la importancia del documental, como fuente de enriquecimiento cultural e intelectual, en la vida del ser humano.
¿Puede una película capturar la realidad? ¿Qué cuestiones éticas debe considerar un realizador al representar la vida real? ¿Cómo afecta la edición o la música a nuestro estado emocional como respuesta a lo que estamos viendo? Etc.
Éstas son algunas de la preguntas que se plantea Ferrari para abordar el tema y cuestionar los principios y la ideología de cada uno de los cineastas.


Ésta es la página de la película. Aquí viene información sobre ésta y sobre todos los que participaron en ella.
http://www3.nfb.ca/webextension/capturing-reality/

El Direct Cinema y los hermanos Maysles

Cuando inició la década de los 60, el cine contribuyó a un sorprendente cruce de caminos que pronosticaron una nueva era de ruptura con las tradiciones fílmicas anteriores.
Ese cruce se hizo visible por una suerte de mezclas de diferentes métodos y fórmulas; señales indicativas que marcaban distintas rutas, diversas opciones, pero que no encontraban un lugar en común. En esa encrucijada, un conjunto discreto de películas y realizadores que surgieron del documental experimental, exploraron y trabajaron con lo real una libertad con la que muchos cineastas soñaban. Las cámaras se liberaron de los tripiés...ahora estaban a la altura del hombre y se movían como él. Respondían a lo imprevisto, al movimiento y las acciones de los cuerpos de los otros a los que el cineasta intentaba retratar; escuchaban y registraban los sonidos espontáneos e imperfectos del mundo. Algo jamás visto ni en el cine industrial, ni en anteriores corrientes de vanguardia, ni en el documental clásico.

Los hermanos Maysles, Albert (1926- ) y David (1932-1987), son reconocidos como dos de los más importantes directores de obras de no-ficción, pioneros del direct cinema o cinéma verité. Ellos fueron los primeros en usar el avance tecnológico de la cámara pequeña para capturar el drama de la experiencia diaria. Sus películas se apartaron de la técnica tradicional del documental, de emplear un narrador con entrevistas estáticas cara a cara. Fueron probablemente los primeros en hacer películas sin ficción, donde el drama y la vida humana se ven tal como son, sin guiones, sin sets, sin narración.


Hasta éste semestre revisité la obra de los hermanos Mayles, dos de sus grandes documentales como "Salesman" (1968) y "Grey Gardens" (1975), pero éste clip es del primer documental que ví de ellos. Iba en segundo de primaria. Un amigo de la familia le regaló a mi papá un cassette VHS donde venía grabada ésta película para TV, "What's Happening! The Beatles in the U.S.A."(1964). Desde muy pequeño había escuchado su música pero fué hasta este momento que en verdad me volví aficionado de la banda y de su trayectoria.
El documental no tenía subtítulos y a esa edad me costó trabajo entenderle a la mayoría de los diálogos... pero la música y la locura del fenómeno que fué esa llegada EU, estaban allí. Ese circo mediático de los Beatles en los 60 no fue accidental, como suele suceder con muchos músicos, ellos fueron y seguirán siendo una de las mejores bandas de la historia.
Otra gran banda en otro gran documental, son los Rolling Stones en "Gimmie Shelter" (1970), dirigido también por los Maysles Bros. Fue hasta que vi ese documental en secundaria, que supe que se trataba de los mismos realizadores de la película anterior.
Fue entre esos dos filmes que surgió un nuevo movimiento: los Hippies. En "Gimmie Shelter", más allá del registro periodístico de un acontecimiento violento, la película es un retrato notable del fin de aquella era; que el hecho violento haya quedado registrado en una película es algo afortunado, pero el gran logro es gracias a ambos hermanos que se encargaron de convertirlo en un retrato generacional.


Los Stones en el concierto de Altamont, California. Un poco del caos que hubo esa noche...

Frederick Wiseman

Frederick Wiseman nos expone a la sociedad norteamericana desde 1967 hasta nuestro días, dirigiendo una mirada crítica a las instituciones públicas de la sociedad estadounidense, ya sean o no oficiales: penitenciarias psiquiátricas, escuelas, el ejército, etc.
Fiel a los principios del cine directo, Wisemen evita cualquier comentario o intervención durante el rodaje. Su punto de vista se ejerce mediante el montaje, pero siempre deja al espectador libertad para interpretar a su manera los hechos que se le presentan.

Algunos de los puntos clave de la manera en la que trabaja son, por ejemplo:
-Puntualiza en la complejidad de las relaciones de fuerza entre los que tienen el poder y los que no.
-La verdad de las situaciones que su cámara consigue atrapar se debe a un notable trabajo de campo.
-Favorece la observación directa de los hechos.
-Es discreto, se rodea de un equipo reducido: un operador y un ayudante (él dirige y toma el sonido).
-Se toma tiempo para mirar y no teme filmar la espera, el tedio, los pequeños acontecimientos insignificantes, los tiempos muertos de la vida.
-Sus métodos de trabajo y el del documentalista son similares: sin hipótesis previa, prioridad a las observaciones y la interacción.
-Traza a menudo una frontera invisible entre los diferentes grupos sociales que se enfrentan en el seno de la institución.
-La puesta en escena de la vida cotidiana se organiza por la distribución espacial de los distintos actores de la institución. Así la mayoría de los documentales de Wiseman respetan el principio de la unidad de lugar y se dedican a detallar la realidad geográfica de la institución.

La riqueza del material requiere entonces un enorme trabajo de montaje. Ahí también se toma su tiempo, muchos meses, incluso un año para juntar los planos. El montaje se efectúa de forma instintiva pero se puede suponer que la elección de las secuencias se opera en función de su estética, de su importancia temática y de su fuerza dramática. Él explica igualmente que espera que la estructura de la película responda a lo que ha descubierto en el rodaje, no a una idea preconcebida.
Su preocupación por la objetividad y su deseo de traducir la complejidad de la realidad filmada, de escapar a todo discurso propagandístico, le llevan a tomar una distancia ante su tema que a veces es desestabilizadora para el espectador. Aunque Wiseman se cuide de implicarse en sus películas o de enunciar juicios de valor, su punto de vista se transparenta.

Mexican Pinatta!

Un poco de su historia…
A partir del siglo pasado, la piñata ha sido asociada con la cultura latina sin embargo, según los historiadores, ésta tiene su punto de origen en Asia (particularmente a China).
Se dice que que en sus viajes, Marco Polo vió cómo los chinos creaban coloridas figuras de animales cubiertas con papel, las cuales se colgaban con arreos y se usaban en las celebraciones de año nuevo.

Del otro lado del mundo, los europeos vinculan la piñata con las celebraciones de la Cuaresma. El primer domingo de ese período litúrgico se transformó en el "Domingo de la Piñata", derivado del término italiano pignatta, cuyo significado en español es "olla frágil". La costumbre se propagó a regiones cercanas como España, donde la Cuaresma adquirió el carácter de fiesta, celebrando "El Baile de la Piñata", en el cual se utilizaba una vasija de barro conocida como "la olla" que desempeñaba la función de piñata.
Con el tiempo, tal tradición cruzó el océano y llegó a América. Los misioneros españoles en Norteamérica llevaron consigo sus piñatas, cubriéndolas con papel de colores, que les otorgaba una apariencia muy llamativa pero a la vez terrorífica, con el objetivo de atraer feligreses a sus ceremonias religiosas.


La piñata adoptó una forma de satélite: una esfera con siete conos sobresalientes, cada uno con una banderola en su extremo. Dichos conos representaban los siete pecados capitales: avaricia, gula, pereza, orgullo, envidia, cólera y lujuria. Además, las frutas y caramelos en su interior eran símbolos de las tentaciones que implicaban la riqueza y los placeres terrenales.
Los participantes, vendados, recibían la orden de golpear la piñata, en un esfuerzo por combatir las fuerzas demoníacas. El garrote para destrozar la piñata, por su parte, simbolizaba la virtud. Una vez rota la piñata, el contenido de la misma era la representación del premio a los participantes por ser fieles a su fe.
Lentamente, la piñata fue perdiendo su asociación religiosa, y en la actualidad, se considera un símbolo de diversión y entretenimiento aunque conserva en diversas regiones su significación religiosa. Puede usarse en la temporada navideña o en fiestas de cumpleaños, y ya no se reserva a la cultura latina, pues personas de todas las nacionalidades y procedencias se turnan para golpear la piñata.

En México, la piñata adoptó la forma colorida con que la conocemos hoy en día. Para hacer una piñata se necesita una olla de barro que se unta con una capa de engrudo (harina de trigo cocida) para que la cubra por completo; luego, se le pegan trozos de papel periódico.Después, la imaginación y la destreza determinan las formas y los colores: estrellas, flores, barcos, loros, pavos reales, patos, borregos, burros, toros, elefantes, pescados, frutas y vegetales. También podemos encontrar negritas, reyes, aeroplanos y payasos. Hay frutas especiales para rellenar la piñata: tejocotes, naranjas, limas, jícamas, cañas y cacahuates, sin olvidar los dulces.

Artavazd Peleshian

Dos trabajos extraordinarios del director Armenio, que he decidido presentar por su relación con los trabajos de los directores anteriores.
En uno se muestra un tren urbano, a mas de sesenta años de haber sido filmada Night Mail. Un tren en el que no se trabaja, pero la acción de transportar o de trasladar es la misma. Los rostros de la gente, el sonido del tren, los paisajes y la música, crean una atmósfera que es universal, no importa si lo hizo en Armenia o en algún país del mediterráneo, Peleshian retrata fiel y poéticamente a la humanidad y esa es su mayor contribución al cine.
Ambos trabajos son una revelación, un descubrimiento de la vida misma y la belleza de su principio y su final.




La imagen del bebé y del agua no tiene madre.

Basil Wright & Harry Watt: Night Train (1936)

Correo Nocturno relata detalladamente el recorrido de un tren, desde Londres a Glasgow, mientras va parando en cada estación. El proceso es mostrado y explicado desde la carga, clasificación, su traslado y distribución. Todo hecho en pocos minutos y de manera efectiva.
Aparte de enseñar a los británicos como funciona su servicio de correos, la película tiene una estructura poética donde hace referencias, a lo largo del documental, al trabajo de Dziga Vertov. Planos cerrados de las máquinas y del mecanismo en general de como recogen, almacenan y reparten los paquetes. Planos cerrados con cortes rápidos del trabajo de los hombres que, a medida que avanza el documental, va acelerando cada vez mas.
Los realizadores crean una máquina perfecta fusionando al hombre con el tren, lo cuál es un ejemplo clásico de lo que pasaba en la mayoría de los países industrializados de la época. Esa idea del trabajo, del orden, de la efectividad, del progreso.


Éste es sólo el inicio, dónde John Grierson narra el poema "Night Mail", escrito específicamente para el documental por WH Auden.